Résultats 2019
Session 1
After 8
Faux Pas. Textes Choisis et Dessins, écrits et dessins de l’artiste Amy Sillman
Conception graphique : Marco Caroti
Le livre est un recueil de textes de l’artiste américaine Amy Sillman, publiés en anglais entre 2010 et 2018, qui seront traduits en français pour la première fois. Des dessins, conçus par l’artiste pour ce projet ou déjà existants, accompagneront les textes. Née en 1955, Amy Sillman vit et travaille à New York. Ancrée dans un questionnement incessant sur les traditions de la peinture moderne et contemporaine, en prise avec des motifs psychanalytiques et philosophiques, sa pratique s’affirme comme viscérale et intellectuelle, matérialiste et théorique.
Brook
Fétichisme et Curiosité, traduction augmentée de l’ouvrage de Laura Mulvey
Conception graphique : In the Shade of a Tree (Sophie Demay et Maël Fournier-Comte)
Auteur de l'essai fondateur Plaisir Visuel et Cinéma Narratif (1975), texte qui met en lumière la manière dont la forme filmique est structurée par l'inconscient patriarcal, Laura Mulvey est une pionnière des études féministes du cinéma. L'ouvrage Fétichisme et Curiosité, publié pour la première fois en 1996, s'intéresse au cinéma hollywoodien de Douglas Sirk, à l'avant-garde incarnée par Ousmane Sembène ou Jean-Luc Godard, aux films d'Orson Welles et David Lynch, ainsi qu'au travail de Cindy Sherman et Jimmie Durham. Il interroge l’image, sa production et sa réception à travers des schèmes normés par une culture de différentiation entre les sexes, marquée par l’impérialisme. Préoccupée par l'habilité d'Hollywood à construire la figure de la femme star comme spectacle ultime, Mulvey commença à écrire sur le cinéma au début des années 70, alors intéressée par la manière dont le médium parvient à érotiser le plaisir de regarder, inscrivant un voyeurisme édulcoré dans son style et dans ses conventions narratives. Les essais ici réunis explorent le concept de fétichisme tel que développé par Marx quant à la marchandise, et Freud quant à l'objet sexuel. Ils posent la question du lien entre le regard, le fantasme, la théorie d'un côté, et les processus d'évolution historiques, sociaux et économiques de l'autre, dirigeant la curiosité vers les politiques de la culture populaire et leur compréhension.
Chose Commune
Howling Winds, ouvrage du photographe Vasantha Yogananthan avec un texte de Arshia Sattar
Conception graphique : Kummer & Herrman
The Quest est le 5ème chapitre du projet au long cours A Myth of Two Souls, débuté en 2013 par le photographe français Vasantha Yogananthan. A Myth of Two Souls, série composée de 7 chapitres, reflète l’imaginaire dégagé par le mythe du Ramayana et sa prégnance dans la vie quotidienne en Inde. The Quest succède au chapitre dramatique Dandaka dans lequel la princesse Sita se fait enlever de son bien-aimé Rama par le démon Ravana. Alors que Rama est accablé par une grande détresse, des centaines de milliers d’animaux de par le monde se réunissent pour se lancer à la recherche de Sita...
CURA.
Caroline Mesquita. The Ballad, monographie de Caroline Mesquita avec des textes de Martha Kirszenbaum et Elise Lammer
Conception graphique : Andrea Baccin
Caroline Mesquita. The Ballad sera le troisième chapitre après les deux expositions personnelles du même nom organisées à la Fondation d’entreprise Ricard (Paris) et à 221A (Vancouver) en 2017. Le livre sera également la première monographie bilingue sur la pratique de l’artiste en général. En collaboration avec Martha Kirszenbaum, commissaire des deux expositions susmentionnées, CURA. conçoit une publication qui comprend plusieurs textes et qui est complétée par un grand choix d’images, de vues d’installation des expositions de l’artiste et d’images de chaque œuvre, dans le but de présenter la production la plus récente de l’artiste et une réflexion sur sa façon particulière de concevoir la sculpture contemporaine.
*DUUU Radio
C'est toujours beaux un nuage au pire c'est chiant, disque vinyle de l’artiste Théo Robine-Langlois
Conception graphique : Ninon Chaboud
[...] est le premier texte de Théo Robine-Langlois, publié chez les éditions Nous en 2016. Pour ce vinyle conçu avec *DUUU Radio, il s’agit de ne pas arrêter un livre à son impression et sa mise en circulation, mais de le voir comme un réservoir d’interprétations. La version sonore de [...] prend sa source dans la ville de Gennevilliers : sons d’ambiances, reprise de chansons présentes dans le texte, bruitages, etc. Théo Robine-Langlois se plonge dans cette surface afin de produire de nouvelles formes pour cette pièce sonore.
Éditions B42
Pour une esthétique de l'émancipation, ouvrage théorique d’Isabelle Alfonsi avec des contributions de Michel Journiac, Claude Cahun, Marcel Moore, Lynda Benglis, Lucy Lippard, Robert Morris, Felix Gonzalez-Torres, Akimbo, Robert Mapplethorp et un avant-propos de Geneviève Fraisse
Conception graphique : deValence
Dans cet ouvrage, Isabelle Alfonsi emprunte à la philosophe Geneviève Fraisse le concept de « lignée » et exhume des pratiques artistiques du passé, afin de faire émerger une lecture féministe et queer à l’art contemporain. Publié dans la collection culture, le texte revisite les œuvres d'artistes comme Michel Journiac, Claude Cahun, Marcel Moore, Lynda Benglis, Lucy Lippard, Robert Morris ou Felix Gonzalez-Torres pour en faire les pièces maîtresses d’une vision plurielle de l’histoire de l’art, valorisant les subjectivités queer, militantes et féministes. Pour une esthétique de l’émancipation est le résultat de recherches menées entre San Francisco et Paris, de 2014 à 2017. C’est dans ce contexte qu’Isabelle Alfonsi a réalisé une étude inédite des productions du groupe d’activistes culturel•le•s « Boy/Girl with Arms Akimbo», actif à San Francisco au début des années 1990 et précurseur d’une opposition radicale au système néo-libéral de l’art. Les supports de communication produits par le collectif, inédits en France, occuperont une place de choix dans l'iconographie du livre.
Éditions GwinZegal
Naturalistes en lutte, Notre-Dame-des-Landes, ouvrage de Bruno Serralongue avec des textes de Sandra Delacourt et de l’artiste
Conception graphique : Claire Schvartz
Entre 2012 et 2017, l’artiste Bruno Serralongue s’est rendu un grand nombre de fois à Notre-Dame-des-Landes. À contre temps des médias, loin du spectaculaire de la télévision ou de la célérité des réseaux sociaux, il nous propose une documentation et une analyse fine des événements et justement des non-événements. Il nous livre ici, l’index brut des sorties qu’il a réalisé en compagnie des naturalistes et botanistes engagés dans la défense des terres marécageuses et agricoles de Notre-Dame-des-Landes. Loin du conflit physique et des barricades, ces botanistes à la recherche d’espèces protégées ont joué un rôle majeur dans l’empêchement des travaux. Ce sont leurs longues marches, pacifiques, leurs observations studieuses, leurs découvertes d’apparence anodines qui ont permis de découvrir un nombre important d’espèces protégées et de déposer des recours juridiques pour bloquer les travaux. Ce n’est pas l’image des résistants que l’histoire ou que les médias auront gardé.
Éditions Macula
Fernand Pouillon et l'Algérie. Bâtir à hauteur d'hommes, ouvrage de Daphné Bengoa et Leo Fabrizio avec un texte de Kaouther Adimi
Conception graphique : Schaffter Sahli
Ce livre présente un corpus de photographies des constructions algériennes de l’architecte français Fernand Pouillon. Ce dernier conçoit l’aménagement de l’espace urbain avec pour précepte l’amélioration des conditions de vie de l'homme : lui apporter confort et qualité de vie, et ce quelque soit la destination de ses constructions (habitats d’urgence, logements sociaux, universitaires ou hôteliers). Son œuvre bâtie en Algérie - des cités (1953-1958) aux complexes touristiques et logements étudiants (1966-1982) - éclaire particulièrement sa démarche et l’évolution d’une conception singulière de l’architecture sociale. Elle reste néanmoins encore très méconnue du grand public et la création d’un corpus photographique contemporain sur ce volet de son travail est à ce jour inédit. Leo Fabrizio et Daphné Bengoa ont photographié pendant cinq ans l’entier du corpus réalisé en Algérie avec pour ambition de mettre en lumière la singulière corrélation entre bâtir et habiter dont l’œuvre de Pouillon est exemplaire. Les images racontent la traversée du « dehors au dedans », de la façade et des couches qui la recouvrent autant qu’elles la révèlent, jusqu’à ce qu’elle renferme et protège : les vies minuscules des habitants, des travailleurs, des étudiants ou des touristes Un texte inédit de l’écrivain Kaouther Adimi vient couronnée l’ouvrage.
Galerie C en coédition avec Zéro 2
Jean-Christophe Norman, monographie éponyme de l’artiste avec des textes de Thierry Davila, Camille Paulhan, Lionel Ruffel, Elena Vogman
Conception graphique : Aurore Chassé
Le projet de monographie de Jean-Christophe intervient à un moment charnière dans la carrière de l’artiste, après avoir réalisé des projets spectaculaires comme celui de la fresque réalisée au macval ou celui de la Fondation Dürrenmatt, après avoir participé à de nombreuses expositions collectives en France (Biennale de Belleville, Montag ou la bibliothèque à venir, Frac Franche-Comté, etc.) ou à l’étranger, principalement en Suisse, et avant une nouvelle série de projets d’importance comme l’invitation au Musée Picasso en Juin, les expositions à l’EAC ou à la Zoo galerie de Nantes, cette publication vient ponctuer un parcours en pleine évolution avec des contributions d’auteurs repérés qui ne manqueront pas d’apporter de nouveaux éclairages sur le travail de l’artiste et de montrer son importance sur la scène contemporaine française et européenne.
L'écarquillé
Portraits, ouvrage anthologique des textes de John Berger
Conception graphique : SP Millot
Portraits est une anthologie des écrits de John Berger sur les artistes. Les écrits réunis ici sont les récits de multiples rencontres : les rencontres imaginaires avec des artistes dans leur atelier. La voix qui raconte l’expérience devant une œuvre y prend la forme parfois d’un poème, parfois d’une pièce de théâtre ou d’un roman, parfois celle, plus conventionnelle, d’un article de presse. Portraits invite son lecteur à partager la compagnie de ces artistes « toujours vivants », depuis les peintres de la grotte Chauvet jusqu’aux plus jeunes de nos contemporains, en passant par Rembrandt, Goya et tant d’autres. En entrant dans leur atelier avec lui, c’est aussi sa compagnie que John Berger nous offre, son autobiographie qu’il nous donne à lire.
Manuella éditions en coédition avec AWARE
Conversation avec Nil Yalter, entretien de l’artiste Nil Yalter par Fabienne Dumont
Conception graphique : Audrey Templier et Julie Rousset
Conversation avec Nil Yalter est le premier volume d’une collection d’entretiens inédits créée en lien avec le prix d’honneur AWARE pour les artistes femmes, remis chaque année depuis 2017 à une plasticienne, liée à la France, pour l’ensemble de sa carrière. Cette collection poursuit les objectifs du prix : donner une visibilité à des artistes femmes dont les carrières ont pâti des biais de genre. Au-delà de cette question, il s’agit de donner accès à la parole des artistes. Cet ouvrage est l’occasion pour Nil Yalter de revenir sur l’ensemble de sa carrière : depuis la mise en place d’un art « sociocritique » dans les années 1970, pionnier dans l’art vidéo, proche du documentaire et en dialogue avec ses engagements féministe et communiste, exposant la condition des femmes, de la classe ouvrière ou des migrant·e·s, jusqu’à son usage des nouveaux médias dans une exploration de l’abstraction. Cet entretien sera réalisé par Fabienne Dumont, historienne de l’art, critique d’art et enseignante en école d’art, spécialiste de la scène artistique féministe des années 1970.
Spector Books
Bure, ou la vie dans les bois, ouvrage du photographe Jürgen Nefzger avec un texte de Henry D. Thoreau
Conception graphique : Spector Bureau (Hannes Drissner)
Bure, ou la vie dans les bois, série réalisée en 2017 par Jürgen Nefzger, retrace l’occupation du bois Lejuc par des militants opposés au projet d’enfouissement des déchets nucléaires Cigéo. Leur lutte s’inscrit dans l’histoire du mouvement anti-nucléaire. En même temps elle évoque des activités de résistance récentes comme celles du barrage de Sivens, de la forêt de Hambach ou encore de la ZAD de Notre-Dame-des-Landes. Influencé par la pensée de Henry David Thoreau, le livre questionne les formes de luttes d’aujourd’hui.
Le regard du photographe ne quitte jamais l’intérieur du bois Lejuc. Il s’intéresse à la nature, aux abris qui s’y déploient ainsi qu’à leurs habitants et les traces qu’ils sèment à travers les lieux – signes de l’occupation et de la lutte qui prennent possession de la forêt. Jürgen Nefzger montre les opposants non pas dans l’action, mais au repos. Dans ses photographies l’heure semble plus propice à la lecture et au jeu qu’à la confrontation qui attend les militants en dehors de la forêt: Perquisitions et contrôles, voire des affrontements violents qui, au moment de la prise de vue photographique, sont à l’ordre du jour. Ce qu’exploitent les médias, est écarté ici. Jürgen Nefzger se concentre sur le hors temps d’une communauté en marge, sur les moments d’attentes qui s’étalent sur plusieurs mois avant que l’expulsion finale soit lancée en février 2018. Au lieu de montrer la lutte, le photographe tire l’attention sur les traces qui la révèlent.
The Eyes Publishing
Conversations, volume 3, ouvrage d’entretiens par Rémi Coignet
Conception graphique : Peter Jeffs
Ces dix dernières années, le livre de photographie a atteint une reconnaissance artistique inédite, il est aujourd’hui au cœur de la pratique artistique du photographe. Pourtant, on entend encore trop peu les photographes parler de leur travail ni les acteurs de l’édition partager leur histoire, leur expérience alors qu’ils ont beaucoup à en dire. Rémi Coignet, critique de livres photo et rédacteur en chef de la revue The Eyes, invite photographes, éditeurs ou graphistes à revisiter leur travail et à révéler leurs intentions. Au fil des entretiens se dessine une géographie de la photographie contemporaine dans la continuité du premier volume, Conversations, paru en 2014 et du deuxième volume paru en 2016.
Varichon & Cie
Reflections from a Cinematic Cesspool, réédition augmentée des écrits de George & Mike Kuchar avec des textes de Guy Maddin, Pascaline Morincôme et Mary Pacios
Conception graphique : Sam Ashby
Publié en 1997, Reflections from a Cinematic Cesspool propose un compte-rendu détaillé de la vie de George et Mike Kuchar, deux des artistes les plus exubérants que les États-Unis aient jamais connus, tandis qu’ils naviguent dans une vie faite d’art, d'amitiés et de dures réalités économiques, armés d’un humour débridé, d’une poésie sans bornes et d’une débrouillardise à toute épreuve. Le livre oscille entre mémoires chronologiques, bible hérétique du cinéma underground, et chronique mordante du Bronx des années 50, de la scène artistique du Lower Manhattan des années 60 et du San Francisco des années 70 à 90. Tout comme leurs films, leurs écrits contiennent nombre de vérités et de sagesses indicibles sur l’art et la vie, énoncées dans un style teinté de modestie, d’auto-dérision et d'émerveillement continuels. Dans cette édition augmentée, le manuscrit original est enrichi d’une traduction française ainsi que de trois nouveaux essais commandés spécialement pour l’occasion.
Zamân books & curating
New Waves, l'École de Casablanca, ouvrage théorique
Conception graphique : Elie Colistro
Comment raconter l’aventure de l’École des beaux-arts de Casablanca, sinon à travers une pluralité de récits et d’expériences. L’objectif étant de retracer la période allant de 1962, année de l’arrivée de l’artiste Farid Belkahia à sa direction, à 1970, lorsque la révolution pédagogique touche à sa fin. Farid Belkahia, Mohammed Chabâa, Mohamed Melehi, Toni Maraini, Bert Flint resteront les noms des protagonistes qui font constellation, au cœur des enjeux post-Indépendance et des luttes intellectuelles incarnés par les poètes, les cinéastes et, avant tout, les plasticiens que l’École des beaux-arts de Casablanca a su fédérer ; laissant un héritage d’une rare inventivité, que ce soit dans l’abstraction, le volume, la fresque, les arts appliqués, la typographie, le design… à plusieurs générations d’artistes marocains et méditerranéens, à commencer par les étudiants de l’époque dont on entend la voix dans cet ouvrage.
L’« École de Casa » se revendique avant tout un laboratoire expérimental et ouvert sur l’espace public et la société marocaine. L’ouvrage New Waves : l’École de Casa est composée d’archives sur les cours et ateliers de l’école, sur les voyages de ses protagonistes, l’histoire des expositions (Biennales arabes)et des revues liées à ce groupe d’esprits libres (Souffles, Intégral). Il se veut une caisse de résonance faite de documents, de témoignages et d’essais, pour redéployer ces réseaux artistiques marocains et panarabe, en passant par Casablanca ou Bagdad, Rome.
Zeug
Pierre di Sciullo, L'après-midi d'un phonème, monographie du graphiste Pierre di Sciullo avec un entretien de Sandra Chamaret, Julien Gineste et une préface de Simon Renaud
Conception graphique : Grand ensemble (Sandra Chamaret et Julien Gineste)
Pierre di Sciullo est une figure centrale du design graphique et de la typographie française. Son œuvre truculente, littéraire et joyeusement insolente explore diverses voies : un goût pour la logique, une absence de préjugés sur la forme typographique et son histoire ; une attention à la sonorité du signe, à sa géométrie et sa colorimétrie ; des oscillations entre une méthodologie rigoureuse et des résultats poétiques. Cette monographie typographique prend la forme d’un entretien au long cours, précis et largement illustré. Pierre di Sciullo nous parle des étapes de travail, des rencontres qui ont influencé sa vie et sa pratique, de son enseignement, de son univers littéraire et artistique… Cette édition bilingue (français/anglais, bichromie, 256 pages dont 32 en quadrichromie, un caractère typographique sur mesure) est le premier ouvrage critique sur son travail.
Revue
Roven éditions
Numéro 14 de la revue Roven
Conception graphique : Dokidoki (Sylvie Astié)
Au sommaire de ce numéro de la revue critique sur le dessin contemporain : un dossier thématique sur la pratique du dessin des artistes de l'image en mouvement (Daphné Nan Le Sergent, Marinella Senatore, Francis Alÿs, Jean-Christophe Norman...) ; un entretien avec Tatiana Trouvé ; des dessins inédits de Blaise Drummond ; les représentations du corps féminin par Diana Quinby ; le travail au dessin par Éric Pagliano ; Louise Aleksiejew et Antoine Medes ; Mélanie Berger, Riccardo Baruzzi, Marie-Claire Mitout, Dirk Zoete ; la collection du cabinet d'arts graphiques du musée d'Orsay ; sélection de livres de Laurel Parker...
Session 2
After 8
Blindf'old, livre conçu par l’artiste David Douard avec un entretien réalisé par Benjamin Thorel et des textes critiques de Maurin Dietrich et Susanne Pfeffer
Conception graphique : Laure Giletti
Blindf’old est un livre conçu avec l’artiste David Douard comme une continuation de son travail avec les mots, les voix, les émotions, les environnements. Conçues comme des narrations à plusieurs niveaux, comme des organismes pris entre mouvement et pétrification, ses expositions se présentent comme des ensembles complexes. Le langage est une source essentielle du travail de David Douard : des boucles sonores, des bribes de paroles habitent ses installations, des slogans et des fragments de textes s’impriment sur les surfaces des œuvres ainsi que sur les sols et les murs des lieux d’exposition.
Des mots qui viennent de chansons pop, de lectures, mais aussi de poèmes anonymes que l’artiste collecte en ligne, comme autant de traces de formes de consciences résistantes, déviantes, un flux dont la circulation est essentielle à son travail. Le point de départ de ce projet est, de fait, le livre comme travail artistique à part entière, susceptible de prolonger et d’accompagner une œuvre, et de donner à en saisir les implications et les ramifications.
Amac
Stéphane Vigny, monographie éponyme de l’artiste avec des textes de Jean-Michel Espitallier, Charles Pennequin, Éva Prouteau
Conception graphique : La Société (Guillaume Moitessier et Julien Imbert)
L’objet de cette édition est de présenter l’œuvre de Stéphane Vigny qui se déploie depuis près de 20 ans. À travers un usage répété du prélèvement et du réemploi, l’artiste développe une pratique sculpturale de l’assemblage.
Par association de formes préexistantes, cette manière de faire de la sculpture se fonde sur l’idée que toute matière préformée, quel que soit son lieu d’extraction, est potentiellement utilisable.
Si l’identité des objets qu’il saisit reste toujours reconnaissable, l’échelle, le matériau, ou la fonction s’en trouvent généralement altérés avec un humour consommé voire une « élégance formelle ».
Cette première édition monographique est pensée comme un objet à plusieurs entrées de lecture tout comme le sont les sculptures de Stéphane Vigny. Le lecteur sera invité à une promenade indisciplinée dont le parcours oscillera entre des œuvres inédites et passées, des images de références, d’archives (outils de travail de l’artiste) ponctuée de textes originaux et dont le trait d’union sera ce nouveau lieu, ce livre à explorer.
Brook
Cruising Utopia : l'après et l'ailleurs de la futurité queer, ouvrage théorique de José Esteban Muñoz
Conception graphique : In the Shade of a Tree (Sophie Demay et Maël Fournier-Comte)
Cruising Utopia décrit un mouvement dans l’utopie, une avancée en forme de dérive entre théorie, approche philosophique, critique d’art et narration. Les œuvres citées, racontées se mêlent au récit familial ou individuel et aux considérations plus universitaires. Une telle pratique de la théorie et de l’esthétique queer s’inscrit dans une interprétation nouvelle de l’espoir tel que perçu par le philosophe allemand Ernst Bloch, articulée à la pensée radicale noire et à la recherche poétique d’auteur·e·s comme Fred Moten et Eileen Myles.
José Esteban Muñoz se penche ici sur la période des émeutes de Stonewall (1969) et analyse par exemple l'oeuvre de Frank O’Hara, Andy Warhol, Kevin Avance, Samuel R. Delany, Fred Herko, LeRoi Jones/Amiri Baraka, Ray Johnson et Jill Johnston. À la théorie queer comme étude correspond une manière de chercher et d’écrire nouvelle, une forme d’hybridité entre la philosophie et les études culturelles. La critique est, comme par anticipation, contenue dans la pratique artistique et le quotidien contre-normatifs dont les récits, à la fois subjectifs et historiques, laissent deviner un futur queer, lieu de transformations et de libération.
Catalogue Général en coédition avec Abyme (Londres) et l’École nationale supérieure des Beaux-Arts de Lyon
Blanche, ouvrage thématique collectif avec la contribution d’auteurs comme Thomas Clerc, et d’ artistes tels que artistes John Morgan, Jean-Marie Courant, Alexandre Balgiu, Catherine Guiral, Adrien Vasquez, etc. Avec des œuvres de François Truffaut, Jean-Luc Godard, Pierre Faucheux, etc.
Conception graphique : John Morgan
Ce livre est consacré à la couverture de la “collection Blanche” des éditions Gallimard. Il rend compte de l’histoire de sa mise en forme graphique, et de la façon dont cet objet s’est inscrit dans notre imaginaire collectif dès lors qu’il est devenu un archétype, un emblème, un signe. Cet ouvrage propose une riche documentation visuelle, souvent inédite.
De l'incidence éditeur
Roger Ackling - où point l'invisible, monographie de l’artiste Roger Ackling par Lydie Rekow-Fond
Conception graphique: Sabrina Bonamy
Roger Ackling – Où point l’invisible est un projet d’édition monographique sur un artiste dont l’originalité est presque déconcertante et déceptive. Ses œuvres, sculptures inclassables, sont basées sur une restitution météorologique d’un ensemble temps-paysage. Artiste voyageur au même titre que Simon Starling ou Hamish Fulton, il utilisa toute sa vie avec mesure et persistance deux instruments, la loupe ainsi que des supports en bois, récoltés au cours de ses marches, sur lesquels, appliqués, étaient rendus visibles les points de chaleur du soleil.
Éditions B42
Le Jeu de la guerre de Guy Debord. Pour un art des situations stratégiques, ouvrage théorique sur l’œuvre de Guy Debord par Emmanuel Guy
Conception graphique : deValence
Cet ouvrage rédigé par l'historien de l'art Emmanuel Guy revient sur le Jeu de la guerre, conçu et pensé par Guy Debord au milieu des années 1950. Celui-ci se présente sous la forme d’un plateau quadrillé et de pions représentant les diverses unités d’une armée, dont la vocation était d’aiguiser le sens stratégique et la conscience d’une incessante guerre à mener.
Offrant un regard inédit sur le fondateur de l’Internationale Situationniste, ce livre ambitionne de montrer en quoi la critique debordienne du spectacle peut fourbir les armes d’une critique contemporaine du design et de l'art contemporain. Le livre sera accompagné de nombreuses illustrations inédites et les règles du jeu, telles que pensées par Debord, ainsi qu’un « manuel » de fabrication du Jeu de la guerre permettant de concevoir soi-même les pions et le plateau du jeu initialement imaginés par Guy Debord.
Éditions FP&CF
Uncertain Life and Sure death, ouvrage du photographe Jonathan LLense avec un texte de Jean-Christophe Bailly
Conception graphique : Temple (Pierre Hourquet)
Jonathan LLense est un photographe du réel et de l'imaginaire. Dans ses travaux, il s'amuse à abolir cette frontière et propose des images complexes qui brouillent la compréhension du public. Uncertain Life and Sure Death compile un ensemble de prises de vues réalisées en Inde lors de différents séjours et aborde en filigrane la relation entre l'homme et la figure animale.
Éditions Norma
Vera Szekely, monographie éponyme de l’artiste par Danielle Molinari et Daniel Léger
Conception graphique : Marc Touitou
Née en Hongrie en 1911, Vera Szekely s’installe en France au lendemain de la seconde guerre mondiale. En association avec son mari Pierre Szekely et André Borderie, dans les années 50, puis seule, Vera Szekely explore, à travers la céramique, le bois, le métal, puis de grandes installations textiles en voiles armées ou feutres transpercés, de nombreuses possibilités formelles qui lui permettent de tracer son chemin d’artiste.
Ses participations aux chantiers de l’AAM (Atelier d’architecture en montagne), ses murs privés et au titre du 1%, ses œuvres d’art sacré, ses vitraux religieux ou profanes, ses installations saluées par la critique dès 1969, ses tapisseries originales, ses œuvres en bois ou métal en « boîtes », la conduiront inexorablement vers son travail du textile dans l’espace, qui sera exposé dans le monde entier.
Si sa production de céramiste est aujourd’hui connue et recherchée, quoi que peu documentée, sa production d’œuvres textiles et ses installations, déterminantes dans son œuvre – elle exposera notamment des œuvres monumentales dans le hall du Musée des arts décoratifs (1980), au Centre Georges Pompidou (1982) – a été oubliée. Cette première monographie sur Vera Szekely revient sur l’itinéraire et la place de cette femme singulière dans l’art d’après-guerre.
Éditions Peinture
Yor81 2013-2019 + RUN DMC featuring JEAN-MARIE ouvrage monographique du graffeur Yor81 avec des textes de Mathieu Julien et Guillaume Pellay accompagné d’une publication de Fabien Azou.
Conception graphique : Mathieu Julien et Guillaume Pellay
YOR81 2013-2019 est un ouvrage monographique consacré aux derniers développements de l'œuvre du graffeur Yor81. En plus de vingt années de pratique Yor81 a développé une forme de graffiti rare dans sa volonté de se réinventer. Yor81 2013-2019 présente les développements de sa peinture sur quelques années et en plusieurs périodes, de l'œuvre discrète et pourtant monumentale qu'il construit depuis 2013 dans les canaux de Marseille à ses peintures sur trains de fret, en passant par ses tags en pleine rue.
L'ouvrage donne à voir une peinture singulière qui tente de s'émanciper de ses origines dans le graffiti pour se rendre plus perméable à son environnement, moins
lisible, plus sensible.
Une publication de la collection "Textes" accompagne la monographie.
Dans RUN DMC featuring JEAN-MARIE Fabien Azou propose une histoire alternative des débuts du tag en France, habituellement focalisée sur ses protagonistes parisiens.
Récit de vie précis, cette enquête a pour toile de fond les paysages de l'Allier et raconte les premières expériences de peinture en atelier de l'auteur, l'histoire d'une ligne de vélo-rail, sa découverte de tags de 1985 « RUN DMC » et « JEAN-MARIE » jusqu'à la rencontre de leur auteur.
Idoine
Idoine & Jane Lowry & Patrick Lowry, monographie des artistes éponymes par Éléonore Pano-Zavaroni et Pascale Riou
Conception graphique : Jérémy Glâtre
Jane Lowry et Patrick Lowry habitent une oasis entre terre et mer, peuplée d’oiseaux et régulièrement d’artistes au cœur des Cornouailles anglaises. Pendant dix ans, ils ont géré l’artist-led space Back Lane West, un lieu de résidence, de projet et de réunion à but non lucratif dans la ville de Redruth. Camp de base pour accueillir, tisser et entretenir un réseau de l'échelle locale à l’internationale, prendre soin des humains, des pratiques, des rencontres.
Is-Land Édition
Laurence Lorenzi, ouvrage de l’artiste et photographe Jean-Luc Moulène avec un texte de Cécilia Becanovic
Jean-Luc Moulène et Laurence Lorenzi se rencontrent à la fin des années 1970 à Paris alors qu’ils découvrent tous les deux leur désir de faire de la photographie. Durant les quinze années où ils vivront ensemble, Jean-Luc Moulène réalise une série de photographies qui ont pour seul sujet Laurence. Cet ensemble de photographies, qui n'a jusqu’ici jamais été exposé, raconte
sur près de dix ans l’évolution de leur histoire d’amour. Une histoire écrite à deux et dans les deux sens, à travers le regard que chacun porte sur l’autre. Car si Jean-Luc prend les photos, Laurence organise souvent les séances de pose et construit consciemment les images qu’elle lui laisse capturer. Les photographies rassemblées dans cet ouvrage pourront aussi bien apparaitre comme des "œuvres de jeunesse" de Jean-Luc Moulène que comme le récit d'un travail collaboratif, amoureux, qu'on fait à deux mais aussi chacun pour soi, au service d'intérêts incommunicables.
Un texte de Cécilia Becanovic accompagnera les photographies en faisant entendre la voix de Laurence qui, disparue en 2004, n’a pas pu intervenir dans le projet de cette publication. Il redoublera le discours des œuvres pour donner une certaine consistance, de la profondeur à la voix d’une femme qui savait, et aurait pu dire depuis longtemps déjà quand d’autres l’avaient oublié, qu’on ne crée jamais tout seul.
Locus Solus
Histoires d'A. - Alain Le Quernec Affiches, monographie de l’artiste éponyme avec des textes d’une trentaine de contributeurs dont principalement l'artiste et Vanina Pinter.
Conception graphique: Alain Le Quernec et Carolina Rojas
Ce livre Histoires d'A - Alain Le Quernec Affiches présente 50 ans de carrière d’un des plus grands affichistes, graphistes français contemporain, Alain Le Quernec. Ses centaines d’illustrations sont connues aussi bien pour leur graphisme hors norme que l’engagement qu’il y présente.
Les affiches et créations d’Alain Le Quernec représentent l’air du temps, les engagements écologistes comme politiques de l’homme, mais sont aussi des créations graphiques pour les plus grands musées ou centres culturels en France mais aussi à l’international.
Tout y est, de ses coups de gueule à ses coups de cœur, ces graphismes ont marqué toute une génération d’affichistes et graphistes actuels. 50 ans de carrière sont ici dévoilées par ses amis, ses confrères, ses clients, ses fans… bref ses Histoires d’A (Affiches, Art, Amour, d’Alain Le Quernec).
Même pas l'hiver
Craig Owens, L'indignité de parler pour les autres : Essais choisis, traduction augmentée des essais de Craig Owens par Gaëtan Thomas
Conception graphique : Olivier Lebrun
Bien que l’on recense quelques traductions dispersées, les travaux de Owens restent difficilement accessibles en français. Ce projet éditorial donnera enfin accès à des textes jalons pour l’histoire de l’art américain et de la critique d’art de la fin du XXe siècle. Il prendra la forme d’un volume comprenant un choix inédit d’essais d’Owens, accompagnés d’un appareil critique de notes, ainsi que d’une introduction présentant la trajectoire intellectuelle de leur auteur et les enjeux critiques des textes sélectionnés.
Craig Owens apparaît dans le paysage de la critique d’art américaine à la fin des années 1970. Il ne cessera d’approfondir et de réévaluer les positions prises par les critiques liés à la revue October, qu’il s’agisse de la condamnation de l’idée moderniste des spécificités du médium, du soutien à des artistes ayant recours à des technologies de reproduction ou de l’idée que l’œuvre d’art doit être appréhendée dans son contexte historique. Parmi les auteurs associés à la revue, Owens a appliqué le plus systématiquement ce dernier principe, pour souligner notamment les enjeux féministes de la production artistique du tournant des années 1980.
MER.B&L en coédition avec La Ferme du Buisson
Ceremonies, monographie de l’artiste Béatrice Balcou avec des textes de Vanessa Desclaux, Christophe Gallois, Zoë Gray, Béatrice Gross, Julie Pellegrin, Émilie Renard, Septembre Tiberghien et Eva Wittocx
Conception graphique : Studio Luc Derycke
Dans le prolongement des deux expositions présentées par Béatrice Balcou en 2018 à la Ferme du Buisson à Noisiel et en 2019 au musée M à Louvain, MER. Paper Kunsthalle s'associe à ces deux institutions pour publier un ambitieux ouvrage monographique de l'artiste.
Abordant différentes facettes du travail de l’artiste, le livre sera ponctué de textes inédits et de documents relatifs au processus de travail de Béatrice Balcou et d’images d’expositions. Le livre met en avant la place que Béatrice Balcou laisse à ce qui n’est souvent pas mis en valeur, aux coulisses de l’exposition et du musée. Le décentrement est une position récurrente dans sa pratique.
En adoptant le rôle de régisseuse ou d’assistante pour l’œuvre d’un.e autre artiste, elle déplace les rôles figés de «l'artiste», du « performer » et du « spectateur ».
Paraguay Press
Reprendre son souffle, ouvrage théorique de Clara Schulmann
Conception graphique : Laure Giletti
Reprendre son souffle est le fruit d'une recherche menée par Clara Schulmann, écrivaine et critique d'art, sur les voix et les écritures féminines dans l'art, au cinéma, dans la littérature et la théorie critique, et les effets "de rassemblement" que ces voix, leurs tons et leurs timbres.
Cette recherche, qui a été soutenue par le soutien à la recherche en théorie et critique d’art du Cnap, a fait l'objet d'un accompagnement et d'un travail suivi tout au long de l'écriture du manuscrit par l'équipe de Paraguay, afin de préciser un style d'écriture nouveau pour l'auteur, une littérature d'enquête mêlant récit autobiographique et développements critiques et théoriques.
Post-éditions
Les Vies infâmes de Roee Rosen, écrits de l’artiste et cinéaste Roee Rosen et entretien mené par Jean-Pierre Rehm
Conception graphique : Pierre Seydoux
Les films de Roee Rosen participent d’une conception impure du cinéma ; ils sont indissociables d’une œuvre artistique singulière et percutante où dessin, écriture et musique s’entrecroisent. Les vies infâmes de Roee Rosen, en lien avec la ligne éditoriale de la collection faux raccord, est un livre qui donne à comprendre comment le cinéma de Roee Rosen se nourrit et entre en dialogue avec ces pratiques extra-cinématographiques. Il s’agit de revenir sur plusieurs œuvres de Roee Rosen :
Out – Tse, Buried Alive, Dust Channel et de faire découvrir un travail en cours intitulé Kafka for kids.
En confrontant des œuvres achevées et une œuvre en cours, le livre permet d’entrer dans le processus de fabrication de l’artiste et d’observer la logique de chacune des œuvres évoquées.
RVB BOOKS
Soulèvements, ouvrage de la photographe Noémie Goudal avec un texte d’Emma Lewis
Conception graphique : RVB BOOKS
Le livre Soulèvements est la continuité d’un vaste projet photographique pensé au prisme d’une recherche au long cours relative à l’histoire des sciences et plus précisément des théories de la formation de la Terre. Inspirée à l’origine par les découvertes antiques qui ont révélé la présence de fossiles au sommet des montagnes, la série Soulèvements est le résultat d’une réflexion issue des interprétations qui ont pu être émises au fur et à mesure des siècles, découlant des observations de ces fossiles. Basées en partie sur l’imaginaire, ces représentations scientifiques de la formation des reliefs de la Terre et des mouvements des montagnes révèlent une forme de chorégraphie du paysage Soulèvements en est une réinvention.
Composées à partir d’une installation de trente miroirs, chacune des photographies sculpte l’espace et le paysage d’une manière qui défie le regard du spectateur et son imaginaire. En reconsidérant les mouvements du paysage et les représentations que l’on s’en fait, la démarche photographique de Noémie Goudal met l’accent sur la matérialité et la plasticité de l’image. Non pas comme une simple édition de photographies, le livre se construit en miroir du processus de création de l’œuvre, dévoilant ainsi les détails, la matérialité des supports, les mécanismes, et interprète les recherches théoriques sous-jacentes aux images.
Salon du Salon
Everything looks better with love, livre conçu par l’artiste Michaël Sellam
Conception graphique : Michaël Sellam et Philippe Munda
Avec Everything looks better with love, l’artiste Michaël Sellam prolonge l’expérience de l’exposition éponyme menée au Salon du Salon en mai 2019.
Le protocole de réalisation des œuvres est simple. Il y a une certaine forme de nonchalance, peu de gestes. Ces gestes questionnent directement la production d’une œuvre. Les étapes d’élaboration sont prédéfinies : visiter des musées, prendre des photographies, copier, coller, ajuster, déplacer et enregistrer. Le même protocole s’applique aux sculptures : chercher des modèles d’œuvres, les télécharger, les ouvrir, copier, coller, ajuster, déplacer et enregistrer. Envoyer le document pour qu’il soit imprimé, le recevoir, agencer les éléments, les exposer, les publier.
Cet ensemble d’œuvres reproduites porte un regard précis et critique sur ce que l’informatique change dans notre manière de penser et de comprendre le monde. Il est question d’expérimenter tout un système d’opérations possibles réalisées avec une forme d’amour indéfectible pour les choses, les gestes et les êtres. Everything looks better with love, livre d’artiste, constitue à la fois une synthèse et une extension de ces questions.
Semiose
Guillaume Dégé, monographie de l’artiste éponyme avec des textes de Julien Carreyn, Fabrice Hergott, Laurence Schmidlin
Conception graphique: Jean-Philippe Bretin
Enseignant à la HEAR de Strasbourg durant de nombreuses années, récemment nommé à l’Ecole des arts décoratifs de Paris, Guillaume Dégé, né en 1967, fait sans conteste partie de la constellation des artistes graphiques qui participent d'une tendance spécifique du dessin contemporain, sans artifices. Du domaine de l'illustration, il a conservé le principe d'économie de la page et du dessin. La clarté de la pensée et la propreté du geste ressortent immédiatement sur le papier. Il n'y a cependant plus de texte. Aucune page à tourner non plus. Le dessin peut enfin être seul. Il est isolé, en majesté sur son support.
Shelter Press en coédition avec Association Sound/Vision
By repetition, you start noticing details in a landscape, monographie de l’artiste Terry Riley avec des textes de Brian Eno, Patrick Nickleson, Marie Dernoncourt, Yann Chateigné, Sarah Davachi, Tom Welsh, Geeta Dayal, Lars Bang Larsen, Erik Davis
Conception graphique : Atelier TM (Nicola Todeschini et David Mami)
By repetition, you start noticing details in a landscape est la première monographie de référence consacrée à Terry Riley, compositeur et artiste californien né en 1935, pionnier de la musiques électronique et « minimaliste ». Actif depuis le milieu des années 1950, Terry Riley n’a pourtant cessé de renouveler son approche artistique, qu’il s’agisse de ses premières sessions « d’improvisation libre » en compagnie de Pauline Oliveros, de ses expérimentations pour boucles de bandes magnétiques, ou encore de son immersion dans la musique classique indienne auprès du guru Pandit Pran Nath.
Ce sont aussi ses nombreuses collaborations avec des artistes, chorégraphes ou cinéastes, qui en font un personnage essentiel, placé au centre d’une vaste constellation artistique et intellectuelle que cet ouvrage collectif entend mettre en lumière, à travers une multiplicité de points de vue.
Davantage qu’un remarquable musicien, compositeur et improvisateur, il a aussi été impliqué dans de nombreuses aventures dans le domaine des arts visuels et de la performance, créateur d’installations, collaborateur de Fluxus, etc…
Cette importante activité artistique – citée comme une influence par Walter de Maria, Dan Graham, et Bruce Nauman – reste pourtant fort méconnue.
Sombres torrents
Pureté et impureté de l’art : Michel Journiac et le Sida, monographie de l’artiste Michel Journiac par Antoine Idier
Conception graphique : Jacques Delon
Ce livre prend comme point de départ un ensemble de documents conservés dans les fonds des Archives de la critique d’art, à Rennes, dans lesquels Michel Journiac déplore la faible intervention des artistes français et du champ des arts plastiques en France face à l’épidémie du Sida au début des années 1990. L’ouvrage s’articule autour de la figure de Michel Journiac et la fait dialoguer avec de nombreux autres acteurs : les critiques François Pluchart et Pierre Restany, le cinéaste expérimental et programmateur Yann Beauvais, Lionel Soukaz, les membres du Front homosexuel d’action révolutionnaire, etc.
C’est ainsi une autre histoire qui se dessine, celles des rapports entre art et militantisme politique, entre la création, les luttes sociales, les mouvements culturels et les soubresauts qui traversent une société.
Sombres torrents
Dans la matrice : le design radical de Ken Isaacs, monographie de l’artiste Ken Isaacs par Susan Snodgrass
Conception graphique : Jacques Delon
Dans cet ouvrage, Susan Snodgrass explore le travail du designer américain Ken Isaacs (1927-2016), plus particulièrement ses projets de micro-habitations des années 1950 à 1970. L’essentiel de la pratique d’Isaacs exploite le concept de « matrice », terme qu’il donne à un système de grilles en trois dimensions qui lui sert à la réalisation de tous ses projets : les Living Structures (des unités compactes qui concentrent les fonctions d’habitation et de mobilier), les Microhouses (de petits logements nomades) et les Alpha Chambers (des environnements informationnels, à la fois pédagogiques et immersifs).
Susan Snodgrass replace ainsi la carrière d’Isaacs dans son contexte, celui des États-Unis d’après-guerre, partagé entre conformisme domestique et productions expérimentales, tout en la mettant en perspective avec les mouvements qui lui sont contemporains, notamment les mouvements contre-culturels prônant l’auto-construction, le nomadisme et la diffusion des outils et connaissances.
Tombolo Presses en coédition avec CAC Brétigny et Galerie Crèvecoeur
The Weavers, livre conçu par l’artiste Xavier Antin avec un texte de Camille Pageard et de la communauté de sculptures intelligentes
Conception graphique : Xavier Antin, Kevin Gotkovsky
The Weavers est un livre d’artiste, une expérience d’écriture et une forme de documentation d’exposition. C’est un livre de 652 pages, écrit par une communauté de sculptures intelligentes durant le temps d’une exposition qui se déroulera au CAC Brétigny du 18 janvier au 7 mars 2020.
Ce projet de publication fait suite à une année de recherche et d’expérimentation menée par Xavier Antin avec le programmeur Julien Jassaud et l’historien de l’art Camille Pageard, dans le cadre d’une résidence soutenue par le Conseil départemental de l’Essonne et le CAC Brétigny.
Edition numérique
*DUUU Radio
Plateforme radiophonique autour de la création contemporaine curatée par le collectif *DUUU radio
Conception graphique : Spassky Fischer (Hugo Anglade, Thomas Petitjean et Antoine Stevenot)
S’inventant ce que pourrait être une radio d’art aujourd’hui, *DUUU est à la fois un outil de production de situations radiophoniques, une archive sonore en mouvement, un panorama de la création contemporaine, et une plateforme accompagnant les artistes. Les différentes activités menées par *DUUU se sont enrichies, le nombre d’émissions s’est agrandi, et il convient de repenser la structure du site internet afin d’en développer son ergonomie, sa facilité d’utilisation et de navigation, ainsi que sa lisibilité afin repenser la plateforme de *DUUU en tant qu’objet éditorial numérique.
QALQALAH قلقلة
QALQALAH قلقلة , plateforme éditoriale en ligne avec les contributions des artistes et auteurs Anahi Alviso-Marino, Marwa Arsanios, Aline Benecke, Omar Berrada, Virginie Bobin, Montasser Drissi, Claire Finch, Victorine Grataloup, Hélène Harder, Karima El Kharraze, Léa Morin, Sarah Rifky, Rasha Salti, Kenza Sefrioui, Abdellah et Abdeslam Ziou Ziou
Conception graphique : Montasser Drissi et Sylvain Julé
QALQALAH قلقلة est une plateforme éditoriale en ligne trilingue (français/arabe/anglais) destinée à soutenir la recherche artistique contemporaine en offrant un espace de publication, d'échanges et de traduction à des artistes, curateur·trice·s, théoricien·ne·s et chercheur·e·s internationaux·nales engagé·e·s dans l’articulation de problématiques artistiques, politiques et sociales. Le projet porte une attention toute particulière aux scènes artistiques des mondes arabophones et aux correspondances qu'elles entretiennent avec le contexte artistique français dans lequel QALQALAH a vu le jour. QALQALAH souhaite ainsi contribuer à la circulation de voix internationales parfois peu entendues en France, et vice versa, afin de constituer un espace de croisements, de frottements, de détours et d’interprétations où approfondir des lignes de recherche, partager des ressources et élargir le champ d’une pensée critique décentrée des références occidentales.
QALQALAH se construit également autour d'un programme d’événements, d’ateliers et d'expositions, permettant la mise en place d'un réseau de travail international et la production collaborative de contenus éditoriaux pour la plateforme en ligne.